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Técnica: lavados acrílicos sobre dibujos

Técnica: lavados acrílicos sobre dibujos



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por John Rutherford

Cirujano agotado
2002, Conté y acrílico, 17 x 21.
Todas las ilustraciones de este artículo
colección del artista.

Mi enfoque del dibujo de figuras me permite trabajar rápidamente para establecer tanto los contornos lineales de la forma del modelo como el patrón tonal de luces y sombras. Los dibujos terminados son obras de arte completas, pero también pueden convertirse en bases para pinturas al óleo o acrílicas más desarrolladas.

Utilizo lápices Conté de color tierra (principalmente No. 617) para dibujar líneas y sombras porque son fáciles de sostener y se mueven suavemente por el papel. También me gusta que hagan líneas afiladas o marcas anchas cuando se apuntan con una almohadilla de arena, y están disponibles en una gama de colores de carne. Como me gusta hacer líneas largas y fluidas, sostengo los lápices hacia el centro con el brazo completamente extendido. Comienzo a dibujar con el papel en una posición casi vertical, aplicando más presión al dibujar áreas sombreadas y menos presión al identificar detalles en el lado claro.

Trabajo en papel de dibujo de enlace blanco porque la superficie lisa facilita las líneas vivas y suaves que describen el modelo planteado. Es importante que el papel sea bastante pesado para aceptar los lavados de pintura acrílica sin doblarse.

Fumador
2002, Conté y acrílico, 17 x 16.

Siempre comienzo dibujando la cabeza del modelo; Es la unidad de medida más conveniente para juzgar las proporciones del resto del cuerpo. Sosteniendo el lápiz recto frente a mí, cierro un ojo y muevo el pulgar hacia abajo hasta que el punto afilado marca la parte superior de la cabeza y mi miniatura marca la parte inferior. Luego muevo el lápiz hacia abajo y a través del cuerpo del modelo para evaluar la profundidad y el ancho del formulario. Una figura de pie podría tener seis cabezas de alto y una o dos cabezas de ancho, por ejemplo, y una figura sentada o inclinada sería más corta y más ancha.

Usar la cabeza como una unidad de medida me ayuda a juzgar la proporción, mientras que analizar formas positivas y negativas me ayuda a describir con precisión la pose y el gesto del modelo. Después de años de experiencia, puedo hacer todas estas determinaciones de manera rápida y general. Me preocupa tanto hacer líneas fluidas y elegantes como describir la pose con precisión. Un dibujo rígido y exacto es menos atractivo que un boceto animado y sugerente.

Una luz fuerte en el modelo crea patrones de sombra distintos que puedo dibujar con el borde ancho del lápiz Conté, dejando las áreas limpias del papel para sugerir los valores más claros. Cuando termine de establecer esos patrones, llevo el trabajo fuera del estudio y rocio la superficie con un fijador viable. Este paso, que generalmente hago cuando el modelo se toma un largo descanso, asegura que los lavados sobre el dibujo no perturben las líneas.

Pareja retirada
2002, Conté y acrílico, 16 x 16.

En un recipiente pequeño, mezclo medio acrílico brillante con una pequeña cantidad de pintura acrílica de siena quemada y lo aplico sobre la figura para crear un tono de piel general. Cuanta más pintura acrílica utilizo, más rojo se vuelve el lavado. Si un tono de fondo ayudará a establecer el borde iluminado de la figura, también lo pinto. Si el tono de la piel de la modelo es más frío en la apariencia, utilizo un lavado de ámbar quemado como el tono de la carne. Cuando dibujo a partir de un modelo vestido, utilizo lavados del color local para bloquear la forma general de la camisa, los pantalones u otras prendas.

Cuando el modelo reanuda la pose, agrego pintura acrílica blanca de titanio a la mezcla de medio brillante y pinto los reflejos. El blanco hace que la pintura sea un poco más opaca y más fresca, y eso se equilibra bien con el color transparente y cálido de la carne.

En este punto, el dibujo está completo, pero podría seguir trabajando con una paleta de colores completa además de esta declaración de valor simple. En mi experiencia, un dibujo preciso es la mejor base para crear una pintura porque se resuelven las proporciones, los gestos y la composición. No importa si el modelo cambia de posición después de los descansos porque las líneas del dibujo ya han arreglado su pose
en el papel o lienzo.

El proceso que sugiero permite simplicidad y precisión en el dibujo y la pintura. La pintura continúa a propósito con el dibujo. Por el contrario, apilar pintura para corregir la falta de dibujo preparatorio no solo agrega tiempo y dinero al proceso, sino que también aumenta la opacidad de la superficie. Eso limita los esmaltes y reduce la vitalidad del arte, independientemente del medio utilizado para establecer los tonos.

Cuando trabajo solo en mi estudio, a veces uso pintura al óleo para los lavados de color sobre el dibujo Conté, combinando siena quemada o ámbar quemado con un medio tradicional de barniz y alcoholes minerales. En ese caso, es especialmente importante rociar toda la hoja de papel de dibujo con un fijador viable para que el aceite de la pintura no se filtre y cree una mancha alrededor del dibujo. Obviamente, la pintura al óleo se seca más lentamente que el acrílico y requiere el uso de solventes que a veces crean un olor molesto. Por esas razones, mis alumnos usan pinturas acrílicas u otras pinturas solubles en agua, y llevo acrílicos conmigo a las sesiones de dibujo en las que comparto el espacio y el costo de un modelo con otros artistas.

También utilicé la misma técnica con acuarela, gouache y caseína, los tres solubles en agua, y funcionan tan bien como los acrílicos y dan un aspecto ligeramente diferente a los dibujos terminados. Independientemente del medio que elija utilizar, es útil probar las mezclas de pintura, agua y medio en un trozo de papel de dibujo para asegurarse de que el lavado no sea demasiado fino ni demasiado opaco. Debe ser lo suficientemente transparente como para permitir que las líneas Conté se muestren claramente pero lo suficientemente opacas como para crear un tono de carne satisfactorio.

De los miles de dibujos de lavado que hice de un modelo, solo alrededor del 35 por ciento tienen éxito. Algunos dibujos lo hacen porque una hermosa modelo adopta una pose que garantiza un dibujo fuerte; otros lo hacen a pesar de un comienzo aparentemente imposible: una pose que parece que no funcionará debido a la vista desde el caballete o la posición de los focos. Pero el punto es mantener el ejercicio y tratar de mantenerse entusiasmado con el proceso. Si haces eso, cada dibujo será beneficioso.

Sobre el artista
John Rutherford nació en Napa, California, y estudió en la Academy of Art College en San Francisco y en el Art Center College of Design, ahora en Pasadena, California, antes de emprender una carrera como ilustrador comercial. A los 55 años se retiró y se convirtió en un artista y maestro a tiempo completo, ofreciendo clases de dibujo y pintura en la Academia de Arte de la Universidad. Está activo en asociaciones de arte en Mendocino, California, donde mantiene un estudio.


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